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6e année

Bienvenue sur la page du cours d'art dramatique de sixième année. Tout au long de l'année, des informations, des images, des liens vers d'autres sites Internet et des vidéos apparaîtront sur cette page qui servira en fait de manuel d'instruction, d'aide-mémoire et de moyen de communication.  Tu seras invités à consulter des documents, à regarder des sites et des vidéos, à répondre à des sondages, etc. Bonne visite!

La fonction des objets

Dans le cadre d'une réalisation en art dramatique, il est fréquent qu'on aie recours à différents objets ou accessoires. Ces derniers peuvent être présentes comme éléments de décor afin de représenter un lieu précis ou être utlisés par les comédiens sur scène. Dans cette option, les comédiens peuvent utiliser ces accessoires de deux façons.

Fonction utilitaire de l'objet: Prendre un objet et l'utiliser (ou mimer qu'on l'utilise) pour ce à quoi il sert. Ex: Utiliser un crayon et faire le geste d'écrire avec.

Fonction ludique de l'objet: Prendre un objet et mimer qu'on l'utilise comme si c'était un autre objet. Ex: Utiliser un crayon et faire le geste de se brosser les dents avec.

Évidemment, on doit impérativement faire des gestes (mouvement, puisque le corps doit bouger) pour mimer l'utilisation d'un objet, qu'il soit utilitaire ou ludique.

Rappel: Tous les gestes sont des mouvements (tes muscles travaillent lorsque tu fais un geste), mais tous les mouvements ne sont pas des gestes (se déplacer, par exemple, est un mouvement, mais pas un geste!)

Le mouvement et les déplacements

Autour de nous, tout bouge. Le mouvement est presque constant même si parfois nous n'y portons pas attention. En art dramatique, comme le corps du comédien est l'élément le plus important, le mouvement se résume par l'action des muscles du comédien. Si un muscle est solicité, il y a mouvement.

Les mouvements peuvent être divisés en deux catérogies: les gestes et les déplacements.

Les gestes sont des mouvements qui peuvent être faits par n'importe quelle partie du corps (bras, jambes, orteils, bouche, paupières, yeux, langue, etc.). Ils peuvent être faits sur place ou en déplacement.

Le déplacement implique un changement de place, passer d'un point A à un point B. Marcher, courir, sauter, ramper, grimper, escalader sont des actions simples qui sont en fait des déplacements dans l'espace. Les déplacements peuvent également s'accompagner de gestes.

Tous les gestes sont des mouvements.

Tous les déplacements sont des mouvements.

Tous les déplacements ne sont pas forcément accompagnés de gestes.¸

Pour saisir l'attention du spectateur, on peut choisir de se déplacer de façon surprenante et inusitée. Plusieurs paramètres entourant la marche peuvent alos être modifiés:

1- Le sens: Vers l'avant, par en-arrière, sur le côté, etc.

2- La vitesse: Lentement, rapidement, etc.

3-Le rythme: Alterner entre différents types de pas, différentes vitesses, etc.

4- Le type de pas: Petits pas, grands pas, pas sautés, pas chassés, etc.

5- Le niveau: Plus près du sol, ramper, à genoux, debout, etc.

Aussi, afin de choisir une démarche, il est important de prendre consciences des possibilités qui s'offrent à nous. Toutes les articulations du corps peuvent être solicitées lors d'un déplacement. Cette vidéo n'a pas été présentée en classe. Elle présente un comédien professionnel dans un test de déplacement pour un rôle dans le film d'horreur Mama. Prenez note que le visuel est particulier et peut troubler certains spectateurs, le visionnement n'est pas obligatoire.

La bonne attitude

En art dramatique, lorsque l'on parle d'attitude, il est question de l'émotion qui est perçue par le spectateur lorsqu'il voit le personnage. En fait, tout le langage non verbal du comédien envoie une grande quantité d'informations au spectateur, l'informant ainsi de comment il se sent, sans même prononcer un seul mot.

L'attitude c'est donc l'émotion qui est perçue à travers les mouvements (gestes et déplacements), les mimiques (expressions faciales), la position du corps et la position du personnage dans l'espace scénique. Voici quelques exemples.

Gestes: Les poingts serrés pour exprimer la colère.

Déplacements: Des pas rapides et tourner en rond pour une personne anxieuse.

Mimiques: Une grimace pour une personne dégoûtée.

Position du corps: Une personne recroquevillée sur elle-même pour exprimer la tristesse.

Position dans l'espace: La personne gênée qui se tient loin des autres personnages.

Tout un caractère!

En théâtre, le trait de caractère représente la personnalité du personnage. Comme tous les individus, le personnage se doit d'être unique. C'est un très grand défi pour le comédien de garder en tête les aspects de la personnalité de son personnage afin que celle-ci soit visible en tout temps.

À l'inverse des émotions qui sont changeantes, le trait de caractère est permanent est toujours plus ou moins visible. Il influence la façon d'agir (les actions) et d'interagir (les conversations).

Une façon simple pour comprendre le trait de caractère est de dresser une liste des défauts et des qualités du personnage.

Les qualités sont les aspects de la personnalité du personnage qui sont agréables alors que les défauts sont les côtés moins plaisant de sa manière d'être.

Le trait de caractère n'empêche pas l'expression des émotions. Par exemple, un personnage timide pourra être excité. Il l'exprimera de façon très différente d'une personne qui est extravertie.

Savoir s'orienter

La mise en scène est l'ensemble des décisions prises afin de mettre un texte ou une idée en vie. Elle inclut le choix des décors, des costumes, la création du personnage, l'organisation de la scène et les déplacements.

La scène est l'endroit où les comédiens sont en action. On utilise également l'expression espace de jeu pour la décrire puisqu'elle décrit l'endroit où le comédien joue son rôle. La scène peut être à même le sol, surélevée ou encore plus basse que le public qui est installé dans des gradins.

Le public correspond à l'ensemble des personnes qui assistent à un spectacle. De façon traditionnelle, le public est installé dans la salle de spectacle, devant la scène. Cependant, avec le théâtre contemporain, il arrive que le public soit réparti autour et même sur la scène. Il peut également être actif et circulé parmi les comédiens.

La personne qui fait la mise en scène doit donner des indications aux comédiens situés sur la scène. Cette personne s'installe généralement dans la salle (à la même place que le public) afin de voir le spectacle et de faire les ajustements nécessaires. Comme sa gauche et sa droite sont inversées par rapport à la gauche et la droite des comédiens qui se trouvent sur scène, on utilise les expressions «côté cour» et «côté jardin». Entre le côté jardin et le côté cour se situe le centre de la scène.

Pour s'en rappeler

Pour le comédien qui est tourné vers le public: Écris «Cour» et «Jardin» dans ta tête. Le premier mot (cour) est écrit à gauche. Le côté cour se situe donc à gauche, et le côté jardin à droite.

Pour le public qui regarde vers la scène: C'est l'inverse. Plusieurs trucs techniques avec les lettres «C» (pour cour) et «J» (pour jardin) peuvent être utilisés. Par exemple, imagine que le metteur en scène qui est installé dans le public (donc face à la scène) s'appelle Jean-Christophe. 

Jean- Christophe

Jardin à gauche 

Cour à droite

On distingue aussi différents endroits sur la scène. Par exemple, l'avant-scène est la partie de la scène qui se situe le plus près du public. L'arrière-scène représente le fond de la scène, l'endroit le plus loin du public. Entre l'avant-scène et l'arrière-scène se trouve le milieu de la scène.

Pour s'orienter au bon endroit sur la scène, la personne en charge de la mise en scène peut combiner ces informations. Par exemple, on pourrait demander aux comédiens de se déplacer à l'arrière-scène, du côté cour ou encore de sortir de scène à l'avant-scène du côté jardin. En cartographiant ainsi la scène, les comédiens peuvent s'assurer d'être au bon endroit et suivre plus facilement les indications de mise en scène.

Consultez cette vidéo pour un résumé.

Mémorisation 101

Utiliser sa mémoire est une compétence à développer, aussi bien en art dramatique que dans les différentes matières scolaire et dans la vie de tous les jours. Cependant, personne n'apprend et ne mémorise de la même façon. En tant qu'enseignant, c'est là que repose tout le défi!

Afin d'aider les élèves à bien comprendre comment ils apprennent, il faut les mettre en situation d'apprentissage. J'ai donc demandé aux élèves de mémoriser un court texte en utilisant différentes méthodes qu'ils avaient eux-mêmes énumérés en début de cours.

1-Lire dans sa tête (et répéter): Le fait de lire dans sa tête à répétition permet d'anticiper le texte, de mieux le connaître et de bien le maîtriser. Tout dépendamment de la mémoire de chacun, l'exercice peut être plus ou moins long. Cette méthode est idéale pour les élèves qui sont davantage visuels.

2-Réciter le texte (à haute voix, et répéter): Le fait de réciter le texte à haute voix permet à l'élève de s'habituer à dire son texte en même temps qu'il le mémorise. Plus efficace chez les élèves qui sont auditifs, il faut cependant faire attention de ne pas tomber dans le piège du texte qui est toujours dit sur le même ton et à la même vitesse.

3-Écrire le texte: Pour certaines personnes, le fait de lire le texte (visuel) et de l'écrire (kinesthésique) est une façon d'encrer le texte plus profondément dans la mémoire à long terme. En écrivant, on prend le temps de bien analyser le texte, sa structure et le choix des mots.

4-Faire des gestes: Se préparer une petite chorégraphie peut aider à mémoriser des parties du textes. Les personnes qui sont plus kinesthésiques retiennent plus facilement des séries de mouvements et, par la même occasion, le texte. Aussi, une fois le texte appris, le réciter en faisant autre chose permet de voir si l'élève l'a bien intégré.

5-Travailler en équipe: Réciter son texte à une personne qui peut nous donner des commentaires et nous interrompe lorsque nous nous trompons permet d'éliminer les erreurs très tôt dans l'exercice de mémorisation. Répéter souvent et recommencer dès qu'une erreur se présente permet de mémoriser correctement et rapidement un texte.

P.S: À la fin de l'exercice, j'ai demandé à chaque élève quelle technique lui avait été la plus aidante pour mémoriser le texte.  J'ai noté cette réponse afin de m'aider à orienter ses exercices de mémorisations dans les futurs projets que nous ferons en classe.

Quatre éléments à tenir en considération pour apprendre son texte.

1-Le contexte: Travailler dans un endroit calme où il est facile de se concentrer et de resté concentré est la meilleure façon de se préparer à retenir de l'information.

2-Le moment: Le cerveau de chaque personne ne fonctionne pas de la même façon. Savoir à quel moment de la journée notre cerveau est le plus apte à mémoriser ce qu'on veut retenir peut nous aider à travailler efficacement notre texte. On ne peut apprendre si le cerveau n'est pas prêt.

3-Le temps: Chaque personne est différente et le temps requis pour la mémorisation l'est également. Il ne faut pas se décourager si on a besoin de plus de temps pour apprendre.

4-La constance: Savoir maintenant ne veut pas dire qu'on s'en souviendra demain. Pour bien savoir son texte, il est important de le relire encore et encore, question de l'avoir frais en mémoire en tout temps. On n'utilise pas le terme ''répétition'' pour rien!

La Commedia Dell' arte

Apparue au XVIe siècle en Italie, la Commedia Dell'arte est une forme de théâtre populaire comique qui, à l'époque était illégale. En fait, on lui reprochait de se moquer des gens et d'encourager des comportements inappropriés (les serviteurs y étaient souvent représentés comme des brigands qui manipulaient leurs maîtres).

Aujourd’hui, c’est l’une des formes de théâtre les plus connues et fortement appréciée chez les élèves. Il s’agit effectivement d’une très belle approche théâtrale qui fait le lien entre le jeu clownesque et le jeu masqué.

On compte plusieurs personnages importants dans la Commedia Dell’arte. À des fins de simplicités et de clarté, pour le projet mené en classe, certains personnages ont été volontairement mis de côtés afin de se concentrer sur certains personnages plus spécifiquement. Voici une courte description des différents personnages.

Arlequin : Serviteur, Arlequin pense au jeu, aux femmes et à son estomac. Il cherche toujours le moyen d’en fait le moins possible et de tirer avantage de Pantalone, son maître. Souvent perçu comme un imbécile, Arlequin fait preuve d’ingéniosité et de vivacité. Cependant, ses choix et sa tendance à se mettre dans de beaux draps lui valent souvent une mauvaise réputation.

Brighella : Autre serviteur de Pantalone et collègue d’Arlequin, Brighella est presque identique à Arlequin. Les femmes et son estomac sont au centre de son intérêt. Aussi, il mettra tout en œuvre pour ne pas avoir à faire ce qui lui est demandé et se reposer. Menteur et ratoureux, Brighella s’efforce à surprendre Arlequin en flagrant délit et se fait une joie de rapporter les moindres erreurs de son collègue à Pantalone afin de se valoriser et attirer les faveurs de son maître.

Colombine : Personnage uniquement féminin (mais traditionnellement joué par des hommes à une époque où les femmes n’avaient pas le droit de pratiquer le théâtre), Colombine est une servante engagée par Pantalone afin de prendre soin de sa fille, Isabelle. Pantalone en est amoureux, au même titre que tous les autres personnages masculins. Colombine est une femme intelligente et charmante qui utilise abusivement de ses charmes afin d’obtenir ce qu’elle veut : aide, cadeaux, faveurs, etc.  Elle sait comment arriver à ses fins en  faisant de fausses promesses et, évidemment, les hommes tombent toujours dans le panneau.

Pantalone : Riche marchand originaire de Venise, Pantalone est le père d’Isabelle et le maître d’Arlequin, Brighella et Colombine (dont il est amoureux). Très vieux, son âge ne l’empêche pas de courtiser sa servante qui ne lui porte aucun intérêt sans pour autant cracher sur les cadeaux qu’il lui fait. Arlequin aime bien lui jouer des tours et chacune des tâches qu’il donne à Arlequin est vouée à l’échec. Brighella est son serviteur favori et son confident. L’argent, le pouvoir, les bonnes affaires et l’amour de Colombine motivent chacunes des décisions de ce vieux grincheux avare.

Le Capitaine : Originaire d’Espagne, on le reconnaît à son accent qui est différent de celui des autres personnes (qui sont des italiens). Le Capitaine aime les entrées fracassantes et se faire remarquer. En apparence au-dessus de ses affaires, en contrôle et prêt à toute éventualité, il est en réalité un grand peureux. Il raconte souvent des histoires qui sont aussi surréalistes (et fausses) qu’interminables où il a été, selon ses dires, victorieux et indemne. Bien que les personnages le croient peu, il représente une certaine forme d’autorité et de pouvoir qui plaît à Pantalone et qui effraie Arlequin.

Le Docteur : Originaire de Bologne, la ville où la première université fut construite et aussi célèbre pour la sauce bolognaise et le saucisson de Bologne, le Docteur incarne l’éducation et la nourriture (à l’excès). Présenté avec un surplus de poids, il est limité dans ses mouvements et, contrairement aux autres, sait qu’il n’a aucune chance avec Colombine. Moins instruit qu’il ne le prétend, le Docteur aime lancer des phrases et des expressions en latin (ou dans une langue que personne ne connaît) afin de montrer sa fausse érudition. Cependant, les autres personnages le perçoivent comme quelqu’un d’intelligent, ce qui lui confère un certain pouvoir et leadership. Qui s’y connaît mieux que lui après tout? Il peut être un grand allié de Pantalone comme son pire rival.

Cette vidéo présente la mise en mouvement des personnages de la Commedia Dell'arte.

Par rapport au déplacement des personnages, n'oubliez pas que chaque personnage a une partie du corps qui doit être mise de l'avant.

Arlequin: Le nez

Brighella: L'oreille

Colombine: Les hanches

Pantalone: Les épaules (dos bossu)

Le Capitaine: Les genoux

Le Docteur: Le nombril/Ventre