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4e année

Bienvenue sur la page du cours d'art dramatique de quatrième année. Tout au long de l'année, des informations, des images, des liens vers d'autres sites Internet et des vidéos apparaîtront sur cette page qui servira en fait de manuel d'instruction, d'aide-mémoire et de moyen de communication.  Tu seras invités à consulter des documents, à regarder des sites et des vidéos, à répondre à des sondages, etc. Bonne visite!

Du point A au point B

Le mouvement est inévitable en théâtre. Aussitôt qu'un muscle bouge, il y a du mouvement. Certains mouvements se font sur place, d'autres obligent que nous nous déplacions.

Lorsqu'un personnage sur scène passe d'un endroit à l'autre, on dit qu'il se déplace. La notion de déplacement est très importante en art dramatique puisqu'elle permet de créer du mouvement, ce qui est plus intéressant pour le public. 

Lorsqu'un personnage se déplace, il adopte un style de marche propre à son personnage. C'est ce que l'on appelle la démarche.

Exemples de démarches: Sautillante, à la course, bondissante, à grands pas, les jambes molles, etc.

Aussi, lorsque le personnage se déplace, il lui est possible d'ajouter des mouvements avec ses bras ou d'autres parties de son corps (les pieds, la bouche, etc.). Ces gestes ne font pas parti de la démarche mais peuvent rendre le déplacement du personnage très intéressant.

La voix, tout un instrument!

La voix est  un élément important au théâtre puisqu'elle est l'outil utilisé par l'acteur pour réciter le texte du dramaturge.

Cette semaine, nous avons pu voir ce qu'était la voix, c'est à dire une série de sons propres à chacun. Cependant, comment ces sons sont-ils émis? À l'aide des cordes vocales qui vibrent dans notre gorge, évidemment!

L'air qui sort de nos poumons est donc responsable des vibrations qui créent la voix. Plus il y a d'air qui sort de nos poumons, plus les vibrations des cordes vocales s'amplifient, plus le volume est élevé. En théâtre, le fait de parler fort s'appelle la projection de la voix. C'est le principe d'émission de la voix. Comme le montre cette vidéo, la hauteur du son est différente lorsque l'on fait vibrer ses cordes vocales différemment.

La bonne attitude

En art dramatique, lorsque l'on parle d'attitude, il est question de l'émotion qui est perçue par le spectateur lorsqu'il voit le personnage. En fait, tout le langage non verbal du comédien envoie une grande quantité d'informations au spectateur, l'informant ainsi de comment il se sent, sans même prononcer un seul mot.

L'attitude c'est donc l'émotion qui est perçue à travers les mouvements (gestes et déplacements), les mimiques (expressions faciales), la position du corps et la position du personnage dans l'espace scénique. Voici quelques exemples.

Gestes: Les poingts serrés pour exprimer la colère.

Déplacements: Des pas rapides et tourner en rond pour une personne anxieuse.

Mimiques: Une grimace pour une personne dégoûtée.

Position du corps: Une personne recroquevillée sur elle-même pour exprimer la tristesse.

Position dans l'espace: La personne gênée qui se tient loin des autres personnages.

Être bien vu

Les gestes que nous faisons sur scène sont importants. Ils permettent au public de suivre l'action de façon visuelle. Il est cependant important de s'assurer que l'on est bien vu par tout le monde qui assiste à la représentation. Ainsi, des gestes trop subtils passent inaperçus. À cet effet, il est primordial d'amplifier nos gestes pour qu'ils soient plus faciles à repérer.

L'amplitude, c'est donc la capacité de faire les gestes de façon plus évidente, moins subtile. Il faut faire attention à ne pas trop exagérer. L'exagération est un procédé comique qui rend les gestes drôles et ridicules. On ne souhaite pas forcément cela. L'amplitude demande donc une certaine dose de contrôle afin de ne pas dépasser la mince ligue qui la distingue de l'exagération.

La structure d'une histoire

Comme dans les livres que nous lisons ou les films que nous regardons, chaque histoire qui est présentée suit une structure particulière, bien définie.

Au deuxième cycle, on s'attend à ce que les élèves soient capable de structurer une histoire et d'y situer de façon claire le début (introduction), le développement (un élément déclancheur problématique), le dénouement (la solution) et la fin. Ces éléments peuvent être présentés dans l'ordre chronologique des événements ou non.

La structure d'une histoire fonctionne comme un train. Au début, il y a la locomotive. Dans la locomotive, on a un personnage important: le conducteur. Sans ce personnage, le train n'avance pas et rien ne se passe. Donc, au début de l'histoire, on doit situer les personnages et comprendre qui ils sont.

Viennent ensuite les problèmes et les solutions. Le nombre de problème et de solutions varie d'une histoire à l'autre, comme le nombre de wagons varie sur chaque train.

À la fin de l'histoire, quelque chose a été accompli et les personnages peuvent poursuivre leur vie normalement. L'histoire se termine par une fin heureuse ou non. Le train lui se termine toujours par le wagon de queue qui marque la fin du train, le bout du parcours. Il est au choix des élèves d'intégrer ou non un retournement de situation pour amener le public à imaginer une suite possible.

Une fois que nous sommes capable de créer une histoire bien structurée, il ne reste qu'à travailler pour la présenter sous forme de saynette devant la classe.

Aussi, les personnages occupent une place importante dans l'histoire. Souvent, on distingue quatre types de personnages:

Héro: Personnage principal dont on suit les aventures.

Ennemi: Personnage important dont les plans diffères de ceux du héro. Bien que ses intentions ne soient pas forcément mauvaises, il est généralement la source des problèmes rencontrés par le héro.

Adjuvant: Personnage moins important (secondaire) qui vient en aide ou accompagne le héro dans sa quête.

Opposant: Personnage secondaire qui est de mèche (contre sa volonté ou de plein gré) avec l'ennemi.

Truc: Une bonne façon de voir si votre enfant comprend ces notions est de lui demander de résumer dans ses mots les différentes parties d'une histoire (lue dans un livre ou vue dans un film ou une émission). 

Savoir s'orienter

La mise en scène est l'ensemble des décisions prises afin de mettre un texte ou une idée en vie. Elle inclut le choix des décors, des costumes, la création du personnage, l'organisation de la scène et les déplacements.

La scène est l'endroit où les comédiens sont en action. On utilise également l'expression espace de jeu pour la décrire puisqu'elle décrit l'endroit où le comédien joue son rôle. La scène peut être à même le sol, surélevée ou encore plus basse que le public qui est installé dans des gradins.

Le public correspond à l'ensemble des personnes qui assistent à un spectacle. De façon traditionnelle, le public est installé dans la salle de spectacle, devant la scène. Cependant, avec le théâtre contemporain, il arrive que le public soit réparti autour et même sur la scène. Il peut également être actif et circulé parmi les comédiens.

La personne qui fait la mise en scène doit donner des indications aux comédiens situés sur la scène. Cette personne s'installe généralement dans la salle (à la même place que le public) afin de voir le spectacle et de faire les ajustements nécessaires. Comme sa gauche et sa droite sont inversées par rapport à la gauche et la droite des comédiens qui se trouvent sur scène, on utilise les expressions «côté cour» et «côté jardin». Entre le côté jardin et le côté cour se situe le centre de la scène.

Pour s'en rappeler

Pour le comédien qui est tourné vers le public: Écris «Cour» et «Jardin» dans ta tête. Le premier mot (cour) est écrit à gauche. Le côté cour se situe donc à gauche, et le côté jardin à droite.

Pour le public qui regarde vers la scène: C'est l'inverse. Plusieurs trucs techniques avec les lettres «C» (pour cour) et «J» (pour jardin) peuvent être utilisés. Par exemple, imagine que le metteur en scène qui est installé dans le public (donc face à la scène) s'appelle Jean-Christophe. 

Jean- Christophe

Jardin à gauche 

Cour à droite

On distingue aussi différents endroits sur la scène. Par exemple, l'avant-scène est la partie de la scène qui se situe le plus près du public. L'arrière-scène représente le fond de la scène, l'endroit le plus loin du public. Entre l'avant-scène et l'arrière-scène se trouve le milieu de la scène.

Pour s'orienter au bon endroit sur la scène, la personne en charge de la mise en scène peut combiner ces informations. Par exemple, on pourrait demander aux comédiens de se déplacer à l'arrière-scène, du côté cour ou encore de sortir de scène à l'avant-scène du côté jardin. En cartographiant ainsi la scène, les comédiens peuvent s'assurer d'être au bon endroit et suivre plus facilement les indications de mise en scène.

Consultez cette vidéo pour un résumé.

Une question de mimique

Trop souvent on confond les mimiques avec l'action de mimer (qui est davantage reliée aux gestes). En fait, les mimiques sont l'ensembles des émotions visibles sur le visage du comédien. Ces émotions sont perceptibles à travers les traits du visage qui s'animent. Les parties du visage qui sont les plus susceptibles de nous donner un indice concernant l'émotion sont la bouche, les yeux, les sourcils ainsi que la tête elle-même.

Par exemple, une personne qui a peur aura tendance à tourner la tête, de sorte à ne pas voir directement la chose qui l'effraie. De cette façon, la direction du regard permet également de nous donner un indice sur l'émotion.

Attention: les élèves confondent souvent le trait de caractère du personnage avec son émotion. Il est important de se rappeler que le trait de caractère fait partie de la personnalité du personnages. On l'associe souvent aux qualités et aux défauts et représentent une façon d'être propre au personnage. Inversement, les émotions sont un état d'esprit, une réaction à une situation. Les émotions changent rapidement et facilement. 

Son ou bruit?

Bien que ces deux termes soient utilisés comme des synonymes, ils représentent des notions bien différentes.

Le son correspont à l'ensemble des vibrations produites par les cordes vocales et qui sont perçues par l'oreille.

De son côté, un bruit correspond à l'ensemble des vibrations produites autrement (claquement, siflement, frottement, etc.) que par les cordes vocales.

Avec la bouche, on peut donc créer des bruits et des sons.

Pour émettre un son, il suffit donc d'utiliser sa voix.

Avec du tonus

Le corps du comédien est très important en art dramatique. C'est avec son corps qu'il peut donner vie au personnage. Chaque personne a une façon unique de se tenir, de se déplacer et de bouger. Il est donc important de rendre notre personnage aussi unique.

Lorsque l'ont parle de la façon de se tenir, il est question de la posture du personnage. Imaginez une file d'attente à l'épicerie. Chaque personne qui s'y trouve aura une posture bien à elle. L'étudiant au sac à dos bien chargé sera plus penché vers l'avant. La dame âgée aura le dos courbé. L'homme d'affaire se tiendra bien droit.  Il revient au comédien de choisir la posture la plus adaptée à son personnage. Cependant, il faut faire attention d'adopter une posture dans laquelle il sera confortable de travailler et que l'on pourra maintenir tout le long du spectacle. L'équilibre est important pour le comédien afin d'éviter les blessures.

Le tonus peut être décrit comme la forme et la rigité des muscles. Un bon tonus aidera généralement à avoir une posture plus droite, des gestes plus assurés emprunts de force. Il ne faut pas confondre le tonus avec la rigidité qui est un manque de souplesse.

Les ombres corporelles