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3e année

Bienvenue sur la page du cours d'art dramatique de troisième année. Tout au long de l'année, des informations, des images, des liens vers d'autres sites Internet et des vidéos apparaîtront sur cette page qui servira en fait de manuel d'instruction, d'aide-mémoire et de moyen de communication.  Tu seras invités à consulter des documents, à regarder des sites et des vidéos, à répondre à des sondages, etc. Bonne visite!

Imiter ou répéter?

Le mouvement est inévitable en théâtre. Aussitôt qu'un muscle bouge, il y a du mouvement. Certains mouvements se font sur place, d'autres obligent que nous nous déplacions.

Les gestes sont des mouvements que le comédien effectue sans avoir à se déplacer. On croit parfois que le geste ne se fait qu'avec les mains. Cependant,le geste peut être fait avec n'importe quelle partie du corps. Par exemple, une grimace est un mouvement de la langue qui se fait sans se déplacer. C'est donc un geste.

Lorsqu'un personne reproduit un geste fait par une autre personne, il est question d'imitation. On utilise parfois par erreur le mot répéter.

La répétition (action de répéter) concerne les sons. On répète les paroles d'une chanson, les mots dits par une personne. Répéter, c'est donc jouer au perroquet.

Intensité de la voix: tout est dans la posture.

En art dramatique, la voix est un outil essentiel pour le comédien. Elle lui permet d'entrer en relation avec les autres personnages, de raconter des événements, dire des blagues (dans le théâtre comique), etc. Il est important que le public, peu importe où il est assis dans la salle, puisse entendre tout ce qui se dit afin de bien comprendre. Contrôler l'intensité de la voix est donc important.

Afin de pouvoir parler assez fort pour que le public l'entende, le comédien doit se placer de sorte à ce que sa voix puisse être projetée vers le public. La posture, c'est à dire la façon dont il se tient, est un élément clé de la projection.

Imagine un boyau d'arrosage. L'eau coule normalement lorsque le boyau est droit. Si on plie le boyau, on l'écrase. L'espace pour que l'eau circule à l'intérieur est réduit. L'eau sort en plus petite quantité.

Pour tes poumons, c'est la même chose! Si tu te tiens droit, l'air circule très bien entre tes poumons et ton nez (passant du coup par tes cordes vocales qu'elle peut faire vibrer, ce qui crée un son). Par contre, si tu es placé dans un position qui empêche l'air de bien circuler ou encore dans une position où tes poumons ne peuvent pas se remplir d'air convenablement, les effets sur ta voix seront faciles à observer. Tu auras de la difficulté à parler fort.

Une posture idéale est donc une posture droite, les épaules biens baissées (ça ouvre ta cage thoracique, ce qui permet à tes poumons de bien se remplir d'air) et la tête légèrement relevée. La position de la montagne en yoga est un bon exemple de posture qui favorise la projection de la voix. Elle constitue également un excellent exercice de relaxation.

Effet de proximité

Lorsque l'on parle avec une personne qui se situe près de nous, on peut baisser le ton. Pas besoin de crier quand la personne est juste à côté. Cependant, en art dramatique, c'est un piège.

Dans un dialogue entre deux personnages situés l'un en face de l'autre, le volume de la voix doit rester élevé. Pourquoi? Parce qu'il est important de garder en tête que l'intensité de la voix doit être ajustée afin que la personne située au fond de la salle puisse entendre tout ce qui se dit.  Le volume de la voix peut donc sembler ridiculement fort, mais devient nécessaire pour que le public comprenne.

Tout un caractère!

En théâtre, le trait de caractère représente la personnalité du personnage. Comme tous les individus, le personnage se doit d'être unique. C'est un très grand défi pour le comédien de garder en tête les aspects de la personnalité de son personnage afin que celle-ci soit visible en tout temps.

À l'inverse des émotions qui sont changeantes, le trait de caractère est permanent est toujours plus ou moins visible. Il influence la façon d'agir (les actions) et d'interagir (les conversations).

Une façon simple pour comprendre le trait de caractère est de dresser une liste des défauts et des qualités du personnage.

Les qualités sont les aspects de la personnalité du personnage qui sont agréables alors que les défauts sont les côtés moins plaisant de sa manière d'être.

Le trait de caractère n'empêche pas l'expression des émotions. Par exemple, un personnage timide pourra être excité. Il l'exprimera de façon très différente d'une personne qui est extravertie.

Tout est dans le dialogue

Dans une pièce de théâtre, il arrive que les personnages ne soient pas en action mais en conversation. Ces discussions entre les personnages sont souvent bien importantes au développement de l'histoire.

Lorsque les personnages discutent entre eux, c'est ce que l'on appelle un dialogue (dia= deux). Il consiste donc en un échange de répliques entre 2 ou plusieurs personnages. Lorsque le personnage se parle à lui-même, c'est un monologue (mono=1).

Il y a une différence entre le dialogue dans un texte littéraire et un texte théâtral. Voici un exemple qui le démontre bien.

Texte littéraire:

Martin demanda à sa mère ce qu'elle avait préparé pour le souper.

-Du poulet et du riz aux légumes, lui répondit-elle.

Texte dramatique (théâtral):

Martin: Maman, qu'est-ce que tu as préparé pour le souper.

La mère: Du poulet et du riz aux légumes.

Dans cet extrait, on compte 2 répliques qui sont dites par 2 personnages.

Pour indiquer quel personnage doit dire une réplique, on utilise une didascalie dénominative.

Savoir s'orienter

La mise en scène est l'ensemble des décisions prises afin de mettre un texte ou une idée en vie. Elle inclut le choix des décors, des costumes, la création du personnage, l'organisation de la scène et les déplacements.

La scène est l'endroit où les comédiens sont en action. On utilise également l'expression espace de jeu pour la décrire puisqu'elle décrit l'endroit où le comédien joue son rôle. La scène peut être à même le sol, surélevée ou encore plus basse que le public qui est installé dans des gradins.

Le public correspond à l'ensemble des personnes qui assistent à un spectacle. De façon traditionnelle, le public est installé dans la salle de spectacle, devant la scène. Cependant, avec le théâtre contemporain, il arrive que le public soit réparti autour et même sur la scène. Il peut également être actif et circulé parmi les comédiens.

La personne qui fait la mise en scène doit donner des indications aux comédiens situés sur la scène. Cette personne s'installe généralement dans la salle (à la même place que le public) afin de voir le spectacle et de faire les ajustements nécessaires. Comme sa gauche et sa droite sont inversées par rapport à la gauche et la droite des comédiens qui se trouvent sur scène, on utilise les expressions «côté cour» et «côté jardin». Entre le côté jardin et le côté cour se situe le centre de la scène.

Pour s'en rappeler

Pour le comédien qui est tourné vers le public: Écris «Cour» et «Jardin» dans ta tête. Le premier mot (cour) est écrit à gauche. Le côté cour se situe donc à gauche, et le côté jardin à droite.

Pour le public qui regarde vers la scène: C'est l'inverse. Plusieurs trucs techniques avec les lettres «C» (pour cour) et «J» (pour jardin) peuvent être utilisés. Par exemple, imagine que le metteur en scène qui est installé dans le public (donc face à la scène) s'appelle Jean-Christophe. 

Jean- Christophe

Jardin à gauche 

Cour à droite

On distingue aussi différents endroits sur la scène. Par exemple, l'avant-scène est la partie de la scène qui se situe le plus près du public. L'arrière-scène représente le fond de la scène, l'endroit le plus loin du public. Entre l'avant-scène et l'arrière-scène se trouve le milieu de la scène.

Pour s'orienter au bon endroit sur la scène, la personne en charge de la mise en scène peut combiner ces informations. Par exemple, on pourrait demander aux comédiens de se déplacer à l'arrière-scène, du côté cour ou encore de sortir de scène à l'avant-scène du côté jardin. En cartographiant ainsi la scène, les comédiens peuvent s'assurer d'être au bon endroit et suivre plus facilement les indications de mise en scène.

Consultez cette vidéo pour un résumé.

Le théâtre de marionnette

Le théâtre de marionnette est une façon différente de faire du théâtre. Dans un spectacle traditionnel, le comédien interprète le personnage. En théâtre de marionnette, c'est la marionnette qui est le personnage. Lorsqu'il est question des marionnettes d'ombres, c'est l'ombre de la marionnette que l'on chercher à montrer au public.

Il existe plusieurs types de marionnettes: celles que l'on manipule avec des fils, certaines que l'on manipule avec des télécommandes, celles qui sont manipulées avec différentes parties du corps, celles qu'on fait bouger avec des bâtons (ou tiges), les marionnettes d'ombre, les marionnettes-objets, etc. Les plus simples et les plus communes sont les marionnettes à gaine. Ce sont des marionnettes que l'on manipule avec les doigts et les mains. En classe, on utilise 4 genres de marionnettes à gaine.

1-Marionnettes à doigts que l'on glisse dans un doigt.

2-Marionnettes en gant que l'on enfile dans la main comme un gant. Si l'on veut représenter un animal à 4 pattes que l'on fait bouger, c'est très pratique.

3-Marionnettes où la bouche est actionnée en plaçant la main en «bec de canard».

4-Marionnettes où les bras sont actionnés en plaçant le pouce et l'auriculaire dans les bras.

Certaines marionnettes plus complexes permettent de bouger la bouche ET les bras. Elles sont beaucoup plus difficiles à manipuler.

Dans tous les cas, le marionnettiste (la personne qui joue avec la marionnette) doit adopter la position de base: Le bras plié en forme de «L». De cette façon, la marionnette a l'air de se tenir debout. Maintenir trop longtemps cette position est un défi car les muscles du bras se fatiguent rapidement.

Lorsque l'on joue avec une marionnette, il est important de comprendre que cette marionnette est un personnage. Ce personnage n'est pas nous et il peut faire des choses que nous ne faisons pas. La marionnette parle avec sa propre voix et fait ses propres gestes, regarde ce qui lui plait.

La direction du regard de la marionnette devient importante. Quand on s'adresse à quelqu'un, on le regarde. La marionnette doit regarder la personnes (ou la marionnette) à qui elle s'adresse. Il est donc important de tourner la marionnette de façon à orienter les yeux dans la direction où elle doit regarder. Ses yeux ne sont pas ceux du marionnettiste. Une bonne façon de comprendre cette notion est de fixer nos yeux sur un objet tandis que la marionnette en fixe un autre. Un truc simple pour nous aider à orienter le regard de la marionnette dans la bonne direction est de pointer son nez dans la direction à regarder. Le nez, généralement situé entre les yeux, est un bon indicateur de l'endroit où le regard est fixé.

C'est le marionnettiste qui choisit la voix donnée à sa marionnette. Qu'elle soit aiguë ou grave, il est important que la voix soit asez forte pour pouvoir être bien entendue par le public.